er Berliner Roland Stratmann ist ein virtuoser Zeichner, ein vielseitig denkender und vielschichtig arbeitender Künstler. Eines seiner bevorzugten Materialien sind Postkarten, und zwar sogenannte „gelaufene“, also beschriftete, frankierte und verschickte Postkarten, die er in großer Zahl sammelt und, sinnfällig gruppiert, mit der Schriftseite zu seinen Bildhintergründen macht. Die darauf entstehenden naturalistischen Tuschezeichnungen verbinden sich mit den Texten der Postkarten und den farbig und prominent ins Bild gesetzten Titelzeilen zu höchst komplexen Bild-Text-Kombinationen.

Sie vereinen konzeptionellen Hintersinn, Bild- und Sprachwitz, Augenlust und intellektuelle Herausforderung und widmen sich dabei auch noch höchst ernsthaften Themen wie der deutschen Geschichte, dem Kolonialismus oder dem Artensterben.

In ausgefeilten Collagearbeiten nimmt sich der Künstler auch der Bildseiten von Postkarten an, aus denen er spannend verschränkte, mehrschichtige Rätselbilder zaubert, die ihre gegenständlichen Ursprünge (seien es Architekturen, Tiere, Landschaften, Masken, Gefäße oder Skulpturen) fast vergessen machen, sie jedenfalls genauso anarchisch wie höchst ästhetisch transformieren.

Darüber hinaus entwickelt Stratmann auch Skulpturen, deren fröhlich-bunter Look aus recycelten Textilien ebenfalls das Verhältnis von Mensch zu Tier in den Blick nimmt und unter der ansprechenden Oberfläche die Auseinandersetzung mit Themen wie Exotismus und Ausbeutung sucht. Seine Collagen und Skulpturen erschöpfen sich also nie in ästhetischem Wohlgefallen, sondern konfrontieren uns in farbenfroher Manier mit bitteren Wahrheiten und unliebsamen Erkenntnissen.

Roland Stratmanns Werke werden international ausgestellt und sind in zahlreichen Sammlungen vertreten.

Mehr Infos zum Künstler finden Sie hier (Öffnet in einem neuen Tab).

Für die Verbreitung und Popularität des Expressionismus nach dem Ersten Weltkrieg und in der Kultur der 1920er Jahre war maßgeblich der Holzschnitt verantwortlich. Er prägte das Bild des Expressionismus und wurde das expressionistische Ausdrucksmittel schlechthin. Seine besonderen Merkmale sind scharf geschnittene Schwarzweiß-Kunst, mit ihrer Zackigkeit, ihrer Neigung zur Deformation sowie ihrem Hang zum Unmittelbaren im Umgang mit den künstlerischen Mitteln. Den Holzschnitt im Expressionismus kennzeichnet eine große stilistische und thematische Vielfalt: Porträt, Akt, Natur, Tiere, Stadtleben, Dorf, Gesellschafts- und Religionskritik, Wege zur Abstraktion. Auch die ausgestellten Werke aus der städtischen Kunstsammlung Paderborn zeigen diese Motivwelt. Ernst Barlach, Erich Heckel, Conrad Felixmüller, Käthe Kollwitz, Max Pechstein oder Karl Schmidt-Rottluff schnitzen markante Porträts oder figürliche Szenen in den Druckstock.

Auch die 1895 in Paderborn geborene und ab 1915 in Weimar ausgebildete Künstlerin Ella Bergmann-Michel übte sich im Holzschnitt als eines der traditionellen Hochdruckverfahren. Erstmals werden in dieser Ausstellung frühe Holzschnitte aus ihrer Weimarer Zeit gezeigt, die ihren Weg vom Gegenständlichen in die Abstraktion anschaulich machen.

Großformatig, farbintensiv oder die Druckstöcke unterschiedlich kombinierend und übereinandergeschichtet – die ausgestellten Holzschnitte der Gegenwartskunst erschließen neue ästhetische und technische Dimensionen. Andreas Rosenthal (*1950) arbeitet mit der Substanz des Holzes, schneidet, sägt, furcht Strukturen und Striche in einer bildhauerischen Art. Es entstehen Bilder, die in ihrer abstrakten Offenheit unterschiedliche Assoziationen auslösen können. Auf dem Boden liegen 18 Druckstöcke gleichen Formats, deren Abdrücke der Künstler wie archäologische Funde in ein „Regal“ an die Wand setzt. Aus den flächigen Strukturen bilden sich dreidimensional erscheinende steinartige Gebilde.

Mit ihren den traditionsreichen Holzschnitt revitalisierenden Bildwelten haben die Zwillingsbrüder Gert und Uwe Tobias (*1973) die Technik des Hochdrucks revolutioniert. Mit verschiedenen Druckstöcken, farblich intensiv gefasst, entwerfen sie mit einem Repertoire aus Volkskunst, Pop und Hochkultur auf der Leinwand eine Erzählung mit hybriden Wesen in einem wie gemalt erscheinenden Bühnenraum.

Wie Malerei wirken auch die Werke von Inessa Emmer (*1986). Doch diese entstehen komplett im Holzschnitt-Verfahren. Sie baut den Hintergrund ihrer Arbeiten aus rechteckigen Pappelholzplatten auf, die nebeneinander gedruckt einen geometrisierenden Rhythmus ergeben. In weiteren Schritten überträgt sie mit dem Druck und den Bewegungen ihres Körpers ausgeschnittene Elemente auf den Nesselstoff. So baut sie einen poetischen Bildraum aus realen und surrealen Dingen, der durch die Vielschichtigkeit der Farbe räumliche Tiefe gewinnt.

Zwei beladene Rettungsboote besetzen die Galerie. Aufgebockt auf Holzbohlen verdrängen sie hier kein Wasser, sind nicht in ihrem Element, sondern versperren den Raum. Die eindringliche Arbeit von Christiane Möbus „rette sich wer kann“ hat nicht nur eine aktuelle politische Konnotation, sondern verweist auch auf die wirtschaftliche Nutzung der Weltmeere durch hochbeladene Containerschiffe.

Im Galerieumgang wogt das Meer in der Malerei, die Wasser als rauschende Wellen erfasst. Willy Lucas schaut 1913 auf eine Meeresbucht, bei Annette Zumkley und Torsten Ueschner wird Wasser zu einer Bewegung in satter Farbe. Das Meer schmeckt salzig und aus Salzen entstehen die Arbeiten von Markus Wirthmann. Das in einer Salzlösung enthaltene Wasser verdunstet und hinterlässt kristalline Formationen, die auf den Bildträgern wachsen.

Die Naturaquarelle von Mario Reis malt das Wasser selbst. Der Künstler stellt seine Naturaquarelle ‘in situ’ her: Er hängt auf Keilrahmen aufgespannte Baumwolltücher mit der Rückseite nach oben in fließende Gewässer und fixiert nach einigen Tagen die ‚Hinter­lassenschaften’ der Flüsse, natürliche Pigmente und Sedimente aller Art, auf der Ober­fläche der Tücher. Die vielfältige Farbigkeit, von Rot-, Braun- und Gelbtönen bis zu grün, resultiert aus der geologischen Beschaffenheit der Umgebung. Die Tücher werden mit dem Fluss betitelt, der Ortsangabe determiniert, dem Entstehungszeitpunkt datiert, von Mario Reis signiert. Die Naturaquarelle der Ausstellung stammen aus Pader, Alme und Lippe. Die Fluss- und Seenlandschaften von Franz Baumgartner sind weniger konkret verortet. In seiner Malerei spiegeln die Wasserflächen eine unbestimmte Wirklichkeit im Schwebezustand.

Das zunehmende Ungleichgewicht zwischen Mensch und Erde wird in Benedikt Partenheimers Werken sinnlich und inhaltlich nachvollziehbar. Seine Fotografien zeigen ökologische und kulturelle Transformationsprozesse, Berge spiegeln sich ambivalent in geschmolzenem Gletscherwasser. Den Klimawandel thematisiert auch Nezaket Ekici. In der Performance-Installation „Pars pro Toto“ bringt die Künstlerin in einen geschlossenen Energie- und Wasserkreislauf einen Eisblock mittels Wasserkocher und Dampfbügeleisen zum Schmelzen.

Birgit Aßhoffs Tanzperformance greift die Frage auf, wie wir Menschen mit der unsicheren Zeit umgehen, in der wir leben. Ihre Antwort ist: mit Strategien, Halt, Inspiration, Mut – und wir geben nicht auf! Wir machen weiter und wachsen an den Herausforderungen und neuen Situationen. We keep growing.

Den Prozess des Überwindens und Weiterentwickelns wird in einem bunten Zusammenspiel aus Klang und Tanz präsentiert. Die Akteur*innen sind Birgit Aßhoff, vier Darstellerinnen des Paderborner Community Dance Ensembles "Wilder Aufbruch" und der Saxophonist Uli Kloppenburg.

Birgit Aßhoff und Paderborn verbinden viele spannende Projekte, besonders die generationsübergreifenden Performances zum Mitmachen laden stets zum Austausch ein, weshalb sie sehr verdient mit dem diesjährigen Paderborner Kulturpreis ausgezeichnet wird.

Das Projekt Keep Going – Keep Growing ist in Kooperation mit dem Paderborner Verein Alles Kunst e. V. entstanden und umfasst 5 Episoden, die von Juli bis Oktober 2023 in Salzkotten, Paderborn und Rödinghausen präsentiert werden. Für das Programm und eine ausführliche Beschreibung des Projektes leiten wir Sie auf die Seite von Alles Kunst e. V. (Öffnet in einem neuen Tab) weiter.

Episode 2 wird bei uns in der Städtischen Galerie in der Reithalle am 5. August um 19 Uhr aufgeführt. Wir freuen uns auf Ihren Besuch!

Zahnräder, Uhren, technische Gerätschaften sind Motive in den Bildwerken  von Robert Michel (1897-1983) und Friedrich Meckseper (1936-2019).

Die Collagen und Zeichnungen von Michel aus den Jahren 1917 bis 1933  entwerfen in der Technikeuphorie des Futurismus chaotisch-technische  Konstruktionen, die geordnet erscheinen und doch keiner erkennbaren Logik  folgen. Wie ein Räderwerk greifen die wirbelnden Dinge ineinander und sie erzeugen eine dynamische Bildmechanik.

Bei Meckseper dagegen werden die Elemente der Technik in Stillleben arrangiert, unaufgeregt und surreal. Die Bewegung wird in seinen utopischen Entwürfen und Szenerien assoziiert.

Diese Statik wird in den Objekten und kinetischen Wandzeichnungen der zeitgenössischen Künstlerin Tina Tonagel zu einem Spiel von Starrheit und Bewegung, Naturgesetzen und menschlichem Kalkül. Sie kombiniert Klang und Bewegung mittels Elektronik zu einer harmonischen und poetischen Einheit, die Überraschung, Ironie und Feinmechanik enthält. Sie schafft  metaphorische Sinnbilder für Vergeblichkeit und setzt direkt auf der Wand Zeichenströme in Gang.

In der Ausstellung „Erweiterung der Möglichkeiten“ begegnen sich die Werke der Künstlerinnen Beate Höing und Franziska Reinbothe, treffen keramische Skulptur und Malerei zusammen. Nicht Gemeinsamkeiten sind Thema der Ausstellung, sondern die Konfrontation von unterschiedlichen Arbeitsweisen, die neue Möglichkeiten, schafft. In der Reduktion auf wesentliche Arbeiten ergeben sich besondere Blickbeziehungen zwischen den ausgestellten Werken.

Beate Höing fertigt keramische Objekte im modifizierten Einbrandverfahren. Glasuren überziehen die getöpferten Tonkörper mit einer dünnen glänzenden Schicht und verleihen ihnen Dichte, Härte und Farbe, die auch eigenwillig verlaufen darf und nicht der Technik des traditionellen Handwerks folgt. Ihre frei modellierten Kompositionen kombiniert Beate Höing mit Fundstücken aus Porzellan, seriell produzierte Massenartikel, die sie aus den ursprünglichen Figurengruppen löst, abschlägt und collagenhaft neu zusammenfügt. So entstehen Stelen, Scherbenteppiche, Figurenarrangements und traumgleiche Erzählungen wie die Werke „Nymphenhügel“ oder „Eva“ in der Ausstellung zeigen (Obergeschoss). Gegenstände wie aus einer Wunderkammer bilden einen ästhetischen Zusammenhang, der das vermeintlich Kitschige, Niedliche, Naive in seiner figurativen Fülle und Üppigkeit mit fantastischen Wesen, toten Vögeln oder einfachen abstrakten Formen verbindet und ein ambivalentes Spiel zwischen Realität und Fiktion bietet.

Der Scherbenteppich „playing by heart“ zeigt in künstlerisch-keramischer Übersetzung einen persischen Teppich. Bestimmte, sich wiederholende Ornamente, Motive und Muster sind ein Hauptmerkmal jedes persischen Teppichs, der ein breites zentrales Feld besitzt. Ein typisches Muster verwendet das Medaillon, ein symmetrisches Element meist im Zentrum des Feldes. Abschnitte des Medaillons oder ähnliche, korrespondierende Elemente füllen die vier Ecken des Feldes. In den meisten persischen Teppichen ist das Feld umgeben von Streifen, den Bordüren. Deren Anzahl variiert, zumeist findet sich eine breitere Hauptbordüre, die von schmaleren Neben- oder Wächterbordüren eingefasst wird. Die Hauptbordüre wird oft mit komplexeren Mustern ausgefüllt. Dieses traditionelle Prinzip der persischen Teppichkultur übersetzt die Künstlerin Beate Höing in eine aus Scherben ausgelegte und mit glasierter Keramik verbundenen Bodenarbeit.

Franziska Reinbothe verhandelt malerische Themen, Fragen nach Monochromie, Transparenz oder auch Materialität. Traditionsrichtungen wie Konstruktivismus, Minimal und Concept Art sind in ihrem Werk zu erkennen, aber sie führt eine ganz eigene Art der Auseinandersetzung mit dem Tafelbild. Ihre ungegenständliche Malerei bleibt nicht auf das rechteckige Bildfeld und die materielle Einheit beschränkt. Nach dem Malprozess, in dem sie konzentriert mehrere Farbschichten übereinander aufträgt, auch loses Pigment verwendet und kräftig einreibt, entwickelt sich das Bild weiter. Mit der Umformung, die Rahmen und Leisten zum Gestaltungselement macht, entstehen Bildkörper, die in den Raum ragen. Andere haben sich vollkommen von der Wand gelöst, wie die große Bodenarbeit als Zickzack geformt im Erdgeschoss. Leinwände werden gerafft oder gefaltet, durchschnitten und partiell neu vernäht. Keilrahmen legt sie frei, durchbricht oder zersägt die Leisten in einer impulsiven Geste. Das Davor und Dahinter wird zum Thema.

In der Arbeit „Dame mit gelüpftem Rock“ (Erdgeschoss) lässt die Malerei aus Acryl und Hammerschlaglack impulsive Einschläge durch Boxhiebe der Künstlerin im oberen Abschnitt erkennen. Unzufrieden mit dem Ergebnis des Malprozesses hat Franziska Reinbothe die Leinwand aus Nessel hochgezogen und die darunterliegende Füllwatte, das Innere, wird sichtbar. Durch diese Umformung ist ein neues Bild entstanden, das mit dem Titel ein humorvolles Augenzwinkern erhält.

Eigens für die Ausstellung hat die Künstlerin die große Arbeit „o. T.“, 300 × 300 cm im Erdgeschoss angefertigt. Diese besteht aus zwei gleich großen Rahmengerüsten, die aufeinander geschraubt wurden. Beide Rahmen sind mit Chiffonstoff bespannt. Das Gewebe stellt also gleichzeitig den Farbträger und die Farbe dar. Die unterschiedlichen „Schichten“ erzeugen ein räumliches Empfinden, ein Changieren zwischen den Farben, zwischen vorn und hinten. Die Ausstellung zeigt noch weitere Arbeiten aus der Chiffon-Serie.

Zur Ausstellung erscheint ein Katalog mit Ausstellungsansichten und weiteren Informationen zu den Künstlerinnen im Verlag Kettler. Dieser liegt in unserem Museumsshop aus oder kann bestellt werden: ISBN 978-3-98741-025-3

Bereits im November 2020 hatten die Künstlerinnen gemeinsam eine Ausstellung in der Städtischen Galerie in der Reithalle aufgebaut. Aufgrund der Corona-bedingten Maßnahmen mit der Schließung der Museen konnte die Ausstellung nicht geöffnet werden und wurde ungesehen abgebaut. Nun kommt es zu einer Neuauflage der Ausstellung.

Die Collage, auch Klebebild genannt, ist seit dem Beginn des 20. Jahrhunderts eine künstlerische Ausdrucksform mit besonderem Gehalt und provokativem Potenzial. Einzelne Elemente und mediale Versatzstücke

werden geklebt, montiert, in neue Bildkontexte transferiert, malerisch oder zeichnerisch ergänzt. Die Ausstellung zeigt Werke von Ella Bergmann-Michel und Herta Müller. Diese Künstlerinnen nutzten in ihren unterschiedlichen Zeiten zwischen Avantgarde und Gegenwart und nach unterschiedlichen Prinzipien die Technik des Collagierens. Ihre Positionen unterscheiden sich radikal voneinander, bildende Kunst und Literatur erscheinen im experimentellen Miteinander. Die Ausstellung zielt nicht auf Vergleich und Vereinheitlichung, sondern auf einen produktiven Dialog und sinnliche Seherlebnisse, die die Konfrontation von unterschiedlichen Bildästhetiken, Techniken und Prinzipien der Collage hervorrufen können.

Ella Bergmann-Michel , 1895 in Paderborn geboren, 1971 in  Vockenhausen/Taunus gestorben, führte der Weg von der Großherzoglich  Sächsischen Hochschule für Kunst und Kunstgewerbe zu Weimar zum Staatlichen Bauhaus. Noch im Jahr ihrer Immatrikulation an der Kunstschule (1917) entstehen Collagen, in denen sie sich intensiv mit dem jungen Dadaismus auseinandersetzt. In einem Zeichenkurs lernt sie ihren späteren Ehemann und berufl ichen Wegbegleiter Robert Michel kennen. Walter Gropius stellt Collagen des Paares zur Eröff nung des Bauhauses
1919 aus. 1920 verlässt das Künstlerpaar Weimar, der Lehrbetrieb am Bauhaus ist ihnen zu akademisch und von dogmatischen Richtungskämpfen geprägt. Sie gehen in den Taunus, wo Robert Michel eine Farbenmühle
geerbt hat.

Die frühen Collagen sind dichte Bildkompositionem aus Zeitungsausschnitten, Fundstücken, Papier, Holz. In Menschen mit Kopf sind selten setzt sie zwischen zerschnittenen Weltkarten  kunsttheoretische Äußerungen, montiert Kalenderblätter mit Ankündigungen
vom „Weltuntergang“ und „Kosmischen Anfang“, bringt spielerisch Worte, Sätze, Formen, Farben ein. In den 1920er Jahren verwendet sie Farbtafeln aus kleineren Rechtecken, die sie auf und neben geometrische schwarze Felder klebt und mit Linien, Pfeilen, Strahlenbündel verbindet. Die Kombination von Zeichnung und Collage macht ihre Werke zu Papierkonstruktionen. Mit den Fadencollagen der 1960er Jahre entstehen neuartige bildnerische Arbeiten mit linearer Intensität, konkreter Struktur, zurückhaltender plastischer Präsenz.

Herta Müller, 1953 in Nitzkydorf/Rumänien geborn, 1987 Ausreise in die Bundesrepublik Deutschland, 2009 Nobelpreis für Literatur, arrangiert auf weißem Karton in Postkartenformat zuvor aus Zeitungen, Prospekten,  Magazinen ausgeschnittene Wörter und Bilder zu poetischen Konstellationen. Größe, Typografie, Farbigkeit der Wortschnipsel bestimmen die visuelle Struktur des Textes, der im Bild weder Aufl ösung
erfährt noch illustriert wird. Vielmehr eröffnen die Collagen ein  Spannungsfeld, das sich im Zwischenraum und im Zusammenspiel von Text und Bild ergibt. 

Hommage à Reinhard

20. Februar bis 8. Mai 2022

In der parallel stattfindenden Ausstellung im Kunstmuseum „Hommage à Reinhard“ sind Werke von Künstlerinnen und Künstlern zu sehen, die Reinhard Buxel und sein Schaffen begleitet, sich im Studium mit ihm ausgetauscht oder später mit ihm diskutiert haben. Darunter sind Werke seines Lehrers an der Hochschule für Bildende Künste in Braunschweig, Emil Cimiotti. Ein enger freundschaftlicher Kontakt bestand zur Bildhauerin Christiane Möbus. Die gemeinsame Zeit in Braunschweig verbindet ihn mit Martina Benz, Alf Setzer und Wolfgang Temme. Ein Bildhauersymposium in Japan begründet die Freundschaft zu Hans Reijnders. Im Paderborner Umfeld entwickelte sich ein Austausch mit Christian Hage, Walther Schwiete und Ulrike Siebenhaar. Bronzeskulpturen, Stein- und Holzplastiken im Raum und an den Wänden, Fotografien, Portopagen und Brandings bilden eine abwechslungsreiche Gruppenausstellung zu Ehren eines Freundes.

Mit Werken von Martina Benz, Emil Cimiotti, Christian Hage, Christiane Möbus, Hans Reijnders, Walther Schwiete, Alf Setzer, Ulrike Siebenhaar, Wolfgang Temme

Kulturarbeit ist wertvoll! Die Gesellschaft zur Förderung der Westfälischen Kulturarbeit e.V., kurz GWK, macht genau das in der Region. 1956/57 gründete sich unter der Führung des Landschaftsverbandes Westfalen-Lippe eine Fördergesellschaft. Förderpriorität genossen zunächst das Westfälische Landesmuseum für Kunst und Kulturgeschichte sowie die übrigen westfälischen Kunst- und Heimatmuseen, außerdem die zeitgenössische Kunst, wobei schon damals Nachwuchstalente besondere Berücksichtigung fanden, sowie die westfälische Literatur und die Musik.

Heute fördert, konzipiert und initiiert die GWK unterschiedliche Kulturprojekte in Westfalen-Lippe. Ein Schwerpunkt ist nach wie vor die Nachwuchsförderung. Die GWK-Förderpreise werden jungen Künstler*innen, Musikern*innen und Schriftsteller*innen zugesprochen, die außergewöhnliche Leistungen erbracht haben und für die Zukunft Herausragendes erwarten lassen. Um die GWK-Förderpreise bewerben sich Künstlerinnen und Künstler selbst. Bewerberinnen und Bewerber müssen in Westfalen-Lippe geboren sein, dort seit mindestens zwei Jahren leben oder ihren Hochschulabschluss in der Region erworben haben.

Seit fast 30 Jahren vergibt die GWK nun die Förderpreise, um die Besten zu fördern. Am 10. Oktober 2021 fand die Verleihung der Förderpreise erstmals in Paderborn statt. Der Förderpreis Kunst ist mit einer Ausstellung verbunden, die vom 10. Oktober 2021 bis zum 9. Januar 2022 in der Städtischen Galerie in der Reithalle gezeigt wird.

Malerei, Zeichnung, Skulptur

Karel Dierickx (1940 – 2014) zählt zu den bekanntesten Künstlern der Gegenwartskunst in Belgien. Nach seiner Ausbildung an der Koninklijke Academie voor Schone Kunsten in Gent war er seit 1962 am nationalen und internationalen Kunstgeschehen beteiligt, stellte z. B. 1984 im belgischen Pavillon auf der 41. Biennale von Venedig aus.

Beate Höing & Franziska Reinbothe

29.11.2020 - 07.02.2021

In der Ausstellung treffen die Werke zweier Künstlerinnen zusammen, die jeweils die Möglichkeiten der Gattungen Malerei und Skulptur erweitern und traditionelle Vorstellungen überwinden.

Beate Höings Werke bestehen aus keramischen Fundstücken, Nippes- und Porzellanfigürchen, die sie aus dem Kontext löst, in eine neue Funktion überführt und collagenhaft inszeniert. Die Ästhetik der Dingwelt erscheint in ihren Kompositskulpturen als fragile Konstruktion. Es entstehen Stelen, Scherbenteppiche, Figurenarrangements und mithin traumgleiche Erzählungen.

Die ungegenständliche Malerei von Franziska Reinbothe bleibt nicht auf das Bildgeviert beschränkt. Ihre Leinwände, monochrom und von intensiver Farbigkeit, entwickeln sich in den Raum. Keilrahmen werden sichtbar, verkantet, gedreht, die Leinwände gerafft oder gefaltet, durchschnitten und vernäht. Das zweidimensionale Bild wird zum körperhaften Objekt.

Im nachfolgenden Video führt Sie Dr. Andrea Brockmann, Leiterin der städtischen Museen und Galerien durch die Ausstellung.

Dorothy Fratt & Stefan Rohrer

29.03.2020 - 12.07.2020

In einer ungewöhnlichen Konstellation treffen in dieser Ausstellung Farbe und Form zusammen: spielerisch, fröhlich, frech.

Für die amerikanische Künstlerin Dorothy Fratt (1923-2017) bedeutete Farbe alles. Fernab der großen Kunstmetropolen entwickelte sie seit den 1950er-Jahren eine ganz persönliche Bildsprache, die in flächiger Malweise Farbräume neben- und ineinander setzt. Dabei spielt sie sowohl mit starken Kontrasten als auch mit feinen Nuancierungen der Farben. Als Parallelentwicklung zum Abstrakten Expressionismus und dem color field painting fand sie in ihren Gemälden zu einer Farb- und Formensprache, die weniger gestisch als vielmehr in der Fläche das Zusammenspiel von Farben und ihre Wirkung untersuchte.

In einen kecken Dialog dazu treten die Werke des Stuttgarter Bildhauers Stefan Rohrer (*1968), der aus alten Motorrollern und Modellautos seine Skulpturen formt. Karosserien werden zerlegt, gedehnt, geschlungen und neu zusammengesetzt. So baut er in Popfarben lackierte, auf Hochglanz polierte Skulpturen, die mit bekannten Formen beginnen und alsbald ins Fantastische mutieren. Mit Finesse verformt er sein Material zu dynamischen Gebilden, die mal elegant geschwungen, mal in wilden Loopings in den Raum ausgreifen, gleichsam abheben und aus der Bahn geraten.

Die Leiterin der Städtischen Museen und Galerien und Kuratorin der Ausstellung Dr. Andrea Brockmann gibt in diesem Film einen kleinen Einblick in die Präsentation und führt Sie durch die Galerie in der Reithalle:

21.06.2019 - 15.09.2019

Die Ausstellung „Building the Garden“ mit Arbeiten der niederländischen Künstlerin Seet van Hout verwandelt die Städtische Galerie in der Reithalle von Paderborn-Schloß Neuhaus in einen atmosphärischen Bildraum.

Ihre Werke, die fließende Malerei, gezeichnete Stickerei und freies Fadenspiel kombiniert, sind von hoher Ästhetik und faszinierender Dichte. Abstrakte Formen und gestickte Pflanzenmotive verbinden sich in Seet van Houts Bildern zu einem tiefgründigen Kosmos, der einen imaginären Garten zwischen Wachstum und Verfall, wissenschaftlicher Abbildung und Sinnlichkeit entwirft.

Eine Schenkung an die Städtische Kunstsammlung Paderborn

16.02.2019 - 10.06.2019

Das künstlerische Schaffen des 1897 in Paderborn geborenen Malers und Grafikers Georg Brandt beschränkt sich im Wesentlichen auf die Zeitspanne zwischen 1921 und 1927. Brandt war neben Franz Leifert, Heinrich Niedieck, Josef Thiele und Waldemar Wilcke Mitglied der Paderborner Künstlervereinigung "Fünf Westfalen". In diesen wenigen Jahren entsteht ein beachtliches Œuvre, vorwiegend in der Technik des Linol- und Holzschnitts. Es ist ein Werk, dass sich stilistisch zwar eindeutig zum Expressionismus bekennt, jedoch von einem durchaus individuellen Ausdruckswillen geprägt ist. Die Öl- und Aquarellmalerei ist deutlich nebengeordnet und von einer Stilhaltung, die gemeinhin als „Neue Sachlichkeit“ bezeichnet wird. – Anfang 2018 erhielt die Städtische Kunstsammlung eine umfangreiche Schenkung von annähernd 70 Arbeiten des Künstlers. Diese werden – ergänzt durch einige Leihgaben – erstmalig der Öffentlichkeit vorgestellt.

Mythos, Macht und Menschlichkeit

27.10.2018 - 13.01.2019

Hendrick Goltzius gilt als der bedeutendste Stecher der Niederlande im späten 16. Jahrhundert. Seit 1576 in Haarlem ansässig, trat er noch zu seinen Lebzeiten mit seinen brillant-raffinierten Druckgrafiken in ganz Europa hervor.

Neben der unvergleichlichen technischen Virtuosität war es Goltzius‘ Vermögen, für traditionelle Themen ganz neue, höchst originelle Bildlösungen zu finden, die das Publikum sinnlich und emotional zu bewegen vermochten.

Die Ausstellung zeigte in Kooperation mit der Anhaltischen Gemäldegalerie Dessau einen repräsentativen Querschnitt dieser meisterhaften Kunst an der Schnittstelle zwischen Manierismus und Barock. Zur Ausstellung ist ein ausführlicher, 368 Seiten starker Katalog erschienen.

16.06.2018 - 07.10.2018

Peter August Böckstiegels eigenes künstlerisches Schaffen ist schon immer gewürdigt worden: Der Maler, Grafiker und Bildhauer setzte die Landschaften und Menschen seiner westfälischen Heimat ins Bild und hielt konsequent an dieser Motivwelt fest. Das macht sein Schaffen - dabei stets dem Geist der Moderne verpflichtet - so eigenständig. Die Ausstellung wirft mit rund 80 Werken Böckstiegels und einer ähnlich großen Zahl von Gemälden und Skulpturen aus seiner selbst angelegten Kunstsammlung einen ganz neuen Blick auf einen der wichtigsten Vertreter der zweiten Generation des deutschen Expressionismus.

Sammlung Wagener

bis 28.01.2018

Die in über vierzig Jahren zusammengetragene Sammlung des Berliner Konsuls und Bankiers Joachim Heinrich Wagener bildet den Grundstock der Nationalgalerie Berlin. Sie umfasst 262 Gemälde überwiegend deutscher Malerei des 19. Jahrhunderts und ist charakteristisch für eine Epoche, in der der Zusammenhang von Kunst, Geschichte, Natur und Politik intensiv reflektiert wurde. Der thematische Schwerpunkt liegt auf Landschaften und Architekturmalerei, Historie und Genre; einige Porträts und Stillleben ergänzen das Spektrum. Die Reithalle präsentiert aus diesem kostbaren Wagenerschen Bilderschatz eine Auswahl von rund 70 Werken des Klassizismus‘, der Romantik und des Biedermeiers.

Die Sammlung Fritz Matthies-Masuren

24.09.2016 - 20.11.2016

Etwa um die Wende des 19. Jahrhunderts wurde es den Fotografen mit dem Aufkommen neuer technischer Verfahren ermöglicht, nun auch die Gestaltungsmittel von Malerei und Grafik aufzugreifen. Über diesen Weg wurden sie sich einer der Fotografie eigenen Bildästhetik bewusst.

Die internationale Bewegung der "Kunstfotografie" wurde vor allem von Amateuren aus dem wohlhabenden Bildungsbürgertum getragen. Losgelöst von ökonomischer Zweckgebundenheit wollten sie das subjektiv-ästhetische Wahrnehmungserlebnis kultivieren.

Mit der Sammlung Matthies-Masuren, die sich seit 1924 in der Kunstbibliothek, Staatliche Museen zu Berlin befindet, liegt uns ein beeindruckendes Zeugnis dieses überaus spannenden Kapitels der Fotografiegeschichte vor - von Alfred Stieglitz über James Craig Annan bis hin zu Max Burchartz.

WILLI BAUMEISTER

Gemälde Zeichnungen Druckgrafiken

02.07.2016 - 04.09.2016

Baumeisters reiches bildnerisches Universum besteht aus einer Mischung von Gesehenem und Erinnertem, Erkanntem und Erfundenen; es enthält Konstruktiv-Geometrisches neben Organisch-Bewegtem, großflächige Farbflächen neben zarten Lineaturen, erdhaft Geballtes neben luftig Schwebendem - eine Welt der Kontraste und Polaritäten.

Entgegen seiner heutigen Stellung in der Kunstgeschichte des 20. Jahrhunderts war Baumeister indes nie ein Dogmatiker der Abstraktion; er verstand sich vielmehr als "Figurenmaler" in dem Sinn: Der Maler muss die kürzeste, die einfachste Ausdrucksform für die Wesenheiten des Menschen finden. (W. B.)

Die Sammlung Francesco Martani

18.07.2015 - 27.09.2015

Im Ausstellungstitel waren die beiden wesentlichen Schwerpunkte der Kollektion benannt: zum Einen zentrale barocke Meister, überwiegend der italienischen, aber auch der französischen und niederländischen Kunstgeschichte - zu nennen wären u. a. Annibale Carracci, Guido Reni, Il Guercino, Bernardo Strozzi, Anthonis van Dyck - , zum anderen internationale Avantgarde mit herausragenden Vertretern der klassischen Moderne, des Kubismus und des Futurismus, der L'Arte Metafisica, der konstruktiven und expressiven Abstraktion sowie der amerikanischen Pop Art. Klangvolle Namen begegnen hier - Paul Klee, Gino Severini, De Chirico, Mondrian, Morandi, Picasso, Newman und viele mehr.

21.02.2015 - 21.06.2015

Die Brueghel-Familie zählt zu den bedeutendsten Malerdynastien des 16. und 17. Jahrhunderts. Ihre Werke wurden bereits von Zeitgenossen hochgeschätzt. Heute sind sie ein wesentlicher Teil des kulturellen Erbes Europas und Höhepunkte in den berühmtesten Museen und Sammlungen der Welt. Die Paderborner Ausstellung hat eine hierzulande bisher noch nie gezeigte Übersicht über das vielfältige Schaffen der Brueghels und der wichtigsten Künstler in ihrem Umkreis geboten. Sie führte mit über 140 Gemälden, Zeichnungen und Druckgraphiken durch vier Generationen des Wirkens dieser flämischen Malerfamilie.

"Ich sehe die Dinge in anderer Art"

05.07.2014 - 28.09.2014

Picasso gilt als die Verkörperung der Kunst des 20. Jahrhunderts schlechthin. Er wirkte als Begründer neuer Stilrichtungen und innovativer technischer Verfahren. Als einen "Magier der Graphik" hat man Picasso bezeichnet. Dieser Titel umgreift nicht nur seine unbändige Kreativität, sondern auch seine elementare und immer wieder überraschende Formensprache, sein handwerkliches Geschick und seine grenzenlose Experimentierfreude.
In den 130 Werken dieser Ausstellung offenbarte sich Picassos einzigartige Schöpferkraft. Zum graphischen Œuvre traten ergänzend einige seiner in Vallauris geschaffenen Keramiken hinzu sowie 14 der berühmten Porträtphotos von Edward Quinn.

11.05.2013 - 24.08.2013                         

Wilhelm Lehmbruck gilt als einer der bedeutendsten Bildhauer der klassischen Moderne. In nur zwei Jahrzehnten schuf er ein ungemein ausdrucksstarkes und umfangreiches Lebenswerk.
Zentrales Thema ist der Mensch. Zunächst angeregt durch die Plastik Rodins und Maillols, gelangt Lehmbruck um 1910 zu seiner eigenen künstlerischen Sprache. 
In der Lehmbruck-Retrospektive waren neben 50 Skulpturen der Jahre 1898-1918 - darunter sämtliche Hauptwerke - auch zahlreiche seiner künstlerisch vollkommen eigenständigen Gemälde, Zeichnungen und Druckgrafiken zu sehen.

Sammlung Galerie Boisserée

28.07.2012 - 30.09.2012

Joan Miró zählt zu den Großen des 20. Jahrhunderts. Sein Werk, das sich einer außerordentlichen Popularität erfreut, wurzelt in den dada-surrealistischen Bewegungen der 1920er Jahre und wächst doch über alle Ismen und Manifeste singulär hinaus. Miró ist ein Poet, ein Magier und Abenteurer der Gestaltung. Seine archaisch anmutende Zeichensprache erzeugt in unbegrenzter Phantasie höchst eigenwillige, zeit- und raumenthobene „Wirklichkeiten“, in denen sich Menschliches, Tierisches und Pflanzliches, Sonne, Mond und Sterne miteinander verbinden. Die Werkschau in der Reithalle, die gut 130 Arbeiten des Künstlers präsentierte, entstand in enger Kooperation mit der Galerie Boisserée in Köln.

Aus der Sammlung der Galerie Boisserée

17.07.2010 - 26.09.2010

Der französische Revolutionär der Moderne Georges Braque, hinterließ ein beachtliches druckgraphisches Werk von über 600 Radierungen, Kupferstichen, Lithographien und Buchillustrationen. Der experimentierfreudige Künstler zeigt eine eigenwillige bildnerische Phantasie und Imaginationskraft.Sein Themenspektrum umfasst: den Wagen, den Kopf, die Teekanne, Blumen, Zitronen und immer wieder Vögel in unzähligen Variationen, die in der Reithalle anhand zahlreicher Beispiele zu sehen waren.

Meisterwerke des Japanischen Farbholzschnitts aus der Graphischen Sammlung der Universität Trier

11.08.2007 - 11.11.2007

In der Edo(heute Tokyo)-Zeit (1603-1868)wurde der Begriff Ukiyo geprägt. Die Shogune, das heißt die Militärregenten aus dem Tokuwaga-Clan, haben in dieser Zeit das Reich vereint. Als Ukiyo-e werden die Bilder einer fließenden Welt bezeichnet, Holzschnitte, die das Theater und seine Schauspieler, das Leben in den Freudenvierteln der großen Städte sowie Landschaften und Reisestationen zeigen, die einen Blick in die Vergangenheit Japans erlauben.

1861-1944

03.12.2005 - 05.03.2006

Als Hauptmeister der Klassischen Moderne wird der französische Bildhauer gefeiert, der sich bewußt gegen den modellierten Stil Rodins wandte und sich auf das reine Gestalten des statuarischen Körpers konzentrierte. Maillols Thema ist die monumental vereinfachte Einzelfigur - der weibliche Akt in immer neuen Variationen: Sitzende, Hockende, Badende, Stehende und in sich ruhende Figuren von großer Kraft und Lebendigkeit. Mit rund dreißig plastischen Arbeiten, Zeichnungen und Druckgraphiken zeigte die Städtische Galerie in der Reithalle einen umfassenden Einblick in sein Lebenswerk.

in der deutschen Malerei des 19. Jahrhunderts

06.09.2003 - 04.01.2004

Die Stillebenmalerei erlebte in Europa des 17. und 18. Jahrhunderts ihre höchste Blüte. Mit dem Ausklang des Barock verkümmerte sie jedoch nicht, sondern trieb neue Blüten, wie in der deutschen Malerei des 19. Jahrhunderts. Die Galerie in der Reithalle zeigte mit rund 90 Gemälden einen umfassenden Überblick aus dem Facettenreichtum delikater Blumen- und Früchtearrangements, rustikaler Küchenstücke, Jagdstilleben sowie der 'nature morte' der Zeit von 1800-1910.

Ich komme ans Werk

06.12.2002 - 02.03.2003

Viele Barlach-Interpreten versuchten die Eigenart des Künstlers und seines Werkes zu bestimmen, seine Formdialektik, seine Spiritualität oder seine Modernität. Barlach selbst wandte sich gegen jegliche Abstempelung seiner Kunst: "Man klebt die Etiketten kultisch und mystisch auf meine Arbeiten (...) ich begehre jedoch nichts anderes, als schlecht und recht Künstler zu sein." Auf seiner Rußlandreise 1906 sind es vor allem die besitzlosen, schlichten und unverstellten Menschen auf dem Lande, die ihn faszinieren und ihn einen völlig neuen Formenkanon entwickeln lassen, die den Rahmen für sein gesamtes weiteres Werk bestimmen.

Druckgraphik aus der Sammlung der Nolde-Stiftung Seebüll

04.05.2001 - 01.07.2001

In Emil Noldes Œuvre bildet die Druckgrafik einen eigenen komplexen Bereich. In einem Zeitraum von zwanzig Jahren schafft er 233 Radierungen, 206 Holzschnitte, 83 Lithographien sowie 4 Hektographien, dazu kommen zahlreiche Überdrucke und Farbvarianten einzelner Bildentwürfe. Seine Arbeiten nehmen eine Sonderstellung in der Zeit des Expressionismus ein, da ihnen eine ausgesprochen malerische Komponente eigen ist. Viele dieser Varianten des experimentierfreudigen Künstlers waren in der Ausstellung der Reithalle zu sehen.

Werke aus dem Sprengel Museum Hannover

24.03.2000 - 28.05.2000

Der Wegbereiter der bildnerischen Moderne in Europa - Henri de Toulouse-Lautrec - kann den "Zeitgeist" der damals wohl aufregendsten und schönsten Stadt der Welt, Paris, so treffend in Bildern umsetzen, wie kein zweiter. Für die Anfänge der modernen Plakatkunst setzt er die wichtigsten Impulse. Flächiger Farbauftrag, konturierte Umrisse, starke Kontraste zwischen hellen und dunklen Bildpartien sowie einprägsame Schrifttypen kennzeichnen seine Entwürfe, die mit gut 60 Beispielen in der Galerie vertreten waren.

Die Meisterstiche seiner Werkstatt

Aus der Sammlung des Siegerlandmuseums im Oberen Schloß, Siegen

26.03.1999 - 06.06.1999

Peter Paul Rubens hinterließ ein umfangreiches Lebenswerk von über 3000 Gemälden. Früh erkannte er die Bedeutung der Druckgraphik für die Verbreitung seiner Kompositionen und engagierte hervorragende Kupferstecher, die seine Gemälde graphisch umsetzten. Die bedeutendsten Rubensstecher waren Pieter Soutman, Lucas Vorsterman, Schelte à Bolswert, Paulus Pontius und Jan Witdoeck, deren Stiche in der Ausstellung zu sehen waren.

80 Holzschnitte, Kupferstiche und Radierungen Albrecht Dürers

24.01.1997 - 16.03.1997

Albrecht Dürer zählt zu den bekanntesten deutschen Künstler. Sein graphisches Werk ist ebenso bedeutend, wie das der Malerei. Dürer hinterließ ca. 350 Holzschnitte und 100 Kupferstiche, mit denen er den graphischen Ausdruck des Spätmittelalters revolutionierte. Zu den 80 druckgraphischen Hauptwerken aus allen Schaffensperioden, die in Paderborn zu sehen waren, zählten Meisterstücke wie „Melancolia I“, „Ritter, Tod und Teufel“, die „Apokalyptischen Reiter“ und das „Rhinozeros“.

Radierungen aus dem Rembrandthuis Amsterdam und dem Museum Boymans-van Beuningen Rotterdam

26.06.1995 - 25.02.1996

Der holländische Maler Rembrandt Harmensch. van Rijn, zählt zu den bedeutendsten der Welt. Er setzt sich früh mit der Radierung auseinander. In der Galerie der Reithalle waren zahlreich Beispiele seiner experimentierfreudigen Gravurarbeiten ausgestellt. Neben einigen seiner berühmten Selbstbildnisse, darunter das frühe Portät mit krausem Haar (1630), waren vor allem Darstellungen und Themen aus dem Alten und Neuen Testament sowie Allegorien, Genreszenen und Aktstudien zu sehen.

aus der Sammlung des Landesmuseums Oldenburg

02.06.1995 - 06.08.1995

In Frankreich und England entstanden um 1870 die ersten Bildplakate von künstlerischem Rang. In Deutschland setzte diese Entwicklung erst 20 Jahre später ein. In der Städtischen Galerie der Reithalle waren annähernd 100 überwiegend deutsche, aber auch französische, englische, dänische und amerikanische Beispiele aus der frühen Plakatwerbung zu sehen. Künstler wie Peter Behrens, Eugéne Grasset, Julius Klinger, Alphons Maria Mucha, Edward Penfield und Franz von Stuck wurden mit ihren herausragenden Arbeiten vorgestellt.