Seife ist in der Kunst ein ungewöhnliches und ausgesprochen vieldeutiges Material. Ihre Beschaffenheit – weich, formbar, flüchtig, zugleich allgemein bekannt und gebrauchsfähig – eröffnet ein Spannungsfeld zwischen skulpturaler Präsenz und Vergänglichkeit, Individualität und Massenproduktion. Ebenso trägt sie die in ihrem grundsätzlichen Alltagsgebrauch liegenden konnotativen Bedeutungen von Reinheit, Pflege und Intimität, die das Verhältnis zwischen Werk, Künstler*in und Betrachtenden unmittelbar beeinflussen.

In Kombination mit Schokolade wird in Lick and Lather (Öffnet in einem neuen Tab) | Lecken und Aufschäumen, 1993–1994 von Janine Antoni (* 1964) Seife als Medium, zur Reflektion des Verhältnisses von Körper, Identität und Wahrnehmung genutzt. Antoni formt aus Seife und Schokolade Selbstporträts in Form von Büsten, um sie anschließend lutschend, kauend und mit Wasser reibend auflösen zu lassen. Die Seife wird so zu einem temporären Träger von Selbstbild und körperlicher Präsenz: Das Werk existiert nur im Spannungsfeld zwischen Skulptur und Auflösung, sichtbarer Form und vergänglicher Handlung. Die sinnliche Erfahrung des Materials, seine olfaktorische Präsenz, seine Konsistenz, die Möglichkeit der Berührung und Auflösung, macht die Rezipierenden zu Mitagierenden der Fragilität von Identität und Selbstrepräsentation.

Ottmar Hörl (* 1950) verfolgt mit Unschuld (Seife), 1997 hingegen einen gesellschaftlich-reflexiven Ansatz. Das Werk, eine handelsübliche Seife mit Prägung in einer Kunststoffdose mit Aufdruck, wurde als Multiple in einer Auflage von 82.000.000 Exemplaren geplant, mit dem Ziel, jedem*jeder Bundesbürger*in eine Ausfertigung zugänglich zu machen. Lange vor der COVID-19-Pandemie, welche die gesamtgesellschaftliche Handhygiene in ihrer Bedeutung neu hervorhob, tritt Hörls Seife weniger als sinnlich-intimes Medium der körperlichen Gesundheit in Erscheinung. Sie ist vielmehr Symbol einer Katharsis und Reinigung unser aller Verfehlungen, die es uns ermöglicht, die Hände nicht allein in einer metaphorischen Unschuld zu waschen. Das humoristische Werk thematisiert in seiner quantitativen Auflage in gleicher Weise Fragen der Massenproduktion, des Konsums und der demokratischen Verfügbarkeit von Kunst. Seifen-Eigenschaften wie Formbarkeit und Vergänglichkeit bleiben präsent, doch sie werden in den Kontext gesellschaftlicher, politischer und ironischer Kontemplation gestellt.

Wir benutzen Seife jeden Tag, zum Händewaschen. Sie ist weich, man kann sie formen. Und wenn man sie oft benutzt hat, wird sie kleiner und verschwindet. Bei Seife denken viele Menschen an Sauberkeit, Pflege und Nähe. Genau deshalb ist sie für manche Künstlerinnen und Künstler spannend.

Eine Künstlerin hat mal mit Seife und Schokolade gearbeitet. Sie hat daraus Köpfe von sich selbst geformt. Also, mit ihrem Gesicht. Danach hat sie die Schokoladen-Köpfe abgeleckt, angekaut und die aus Seife mit Wasser gerieben. So sind die Köpfe langsam verschwunden. Die Kunst-Arbeit zeigt: Wir verändern uns immer wieder. So, wie wir heute sind, müssen wir morgen gar nicht sein. Man kann die Seife riechen, fühlen und sehen, wie sie sich verändert. So wird man beim Anschauen selbst ein bisschen Teil der Kunst-Arbeit.

Ein anderer Künstler hat Seife ganz anders benutzt. Er hat seine Kunst-Arbeit „Unschuld“ genannt. Er wollte sehr viele Seifen herstellen. So viele, dass jeder Mensch in Deutschland eine bekommen könnte. Das hat er aber nicht ganz hinbekommen.
Bei der Seife in der Ausstellung geht es eigentlich nicht nur ums Waschen. Die Seife steht auch für die Idee, dass Menschen ihre Fehler „abwaschen“ wollen. Das ist natürlich nicht wirklich möglich. Aber die Idee ist eigentlich ganz angenehm. Und ein bisschen witzig. 

So zeigt Seife in der Kunst etwas Spannendes: Sie ist ein einfaches Alltagsding, aber sie kann uns viel über uns selbst, unseren Körper und unser Leben erzählen.

In art, soap is an unusual and highly ambiguous material. Its nature – soft, malleable, ephemeral, yet universally familiar and functional – creates a tension between sculptural presence and transience, individuality and mass production. It also carries the connotative meanings of purity, care, and intimacy inherent in its everyday use, which directly influence the relationship between the work, the artist, and the viewer.

In combination with chocolate, Janine Antoni (* 1964) uses soap as a medium in Lick and Lather (Öffnet in einem neuen Tab), 1993–1994, soap is used as a medium to reflect on the relationship between body, identity, and perception. Antoni shapes self-portraits in the form of busts out of soap and chocolate, only to dissolve them by licking, chewing, and rubbing them with water. The soap thus becomes a temporary vessel for self-image and physical presence: the work exists only in the tension between sculpture and dissolution, visible form and ephemeral action. The sensory experience of the material – its olfactory presence, its consistency, the possibility of touch and dissolution – turns the viewers into participants in the fragility of identity and self-representation. 

Ottmar Hörl (* 1950), on the other hand, takes a socially reflective approach with Unschuld (Seife) | Innocence (soap), 1997. The work, a commercially available bar of soap with an embossed design in a plastic container with a printed label, was planned as a multiple in an edition of 82,000,000 copies, with the aim of making a copy accessible to every German citizen. Long before the COVID-19 pandemic, which highlighted the importance of hand hygiene for society as a whole, Hörl’s soap appears less as a sensual, intimate medium of physical health. Rather, it is a symbol of catharsis and purification from all our transgressions, enabling us to wash our hands not merely in a metaphorical innocence. In its large-scale production, this humorous work equally addresses questions of mass production, consumption, and the democratic accessibility of art. Soap’s properties – such as malleability and transience – remain present, yet they are placed within the context of social, political, and ironic contemplation.

We use soap every day to wash our hands. It’s soft, and you can shape it. And when you use it a lot, it gets smaller and disappears. When people think of soap, many think of cleanliness, care, and closeness. That’s exactly why it’s so fascinating to some artists.

One artist once worked with soap and chocolate. She used them to mold heads of herself – with her own face. Then she licked the chocolate heads, chewed on them, and rubbed the soap ones with water. That’s how the heads slowly disappeared. The artwork shows that we are constantly changing. We don’t have to be the same tomorrow as we are today. You can smell the soap, feel it, and see how it changes. So, as you look at it, you yourself become a little part of the artwork.

Another artist used soap in a completely different way. He called his artwork “Innocence.” He wanted to make a lot of soap. So much that every person in Germany could get one. But he didn’t quite manage that.
The soap in the exhibition isn’t really just about washing. The soap also represents the idea that people want to “wash away” their mistakes. Of course, that’s not really possible. But the idea is actually quite pleasant. And a little funny.

In art, soap reveals something fascinating: it is a simple, everyday object, yet it can tell us a great deal about ourselves, our bodies, and our lives.